Sobre mi

Des de molt petita la meva passió sempre ha estat la música i viure-la, experimentar-la, entendre-la, utilitzar-la…, des de diverses perspectives i amb diferents objectius. Vaig estudiar violí al CMMB per gaudir i fer gaudir. Més endavant, mentre em dedicava a l’ensenyament musical, em vaig llicenciar en (Etno)musicologia a l’ESMuC, on vaig gaudir enormement intentant entrendre l’home a través de la música i la música a través de l’home. Tot seguit, faig fer un màster Musicoteràpia a l’ISEP per poder ajudar i ajudar-me a mi mateixa. I actualment, estic finalitzant el màster en Gestió Cultural a la UOC, amb moltes ganes de contribuir a potenciar el sector musical com a instrument pel canvi i la cohesió social, i molt especialment, com a platafroma per trencar estigmes en salut mental.

Entre rumbes, lectures, simfonies i projectes, em trobareu fent pastissos, parlant pels descosits, jugant amb el meu estimat gos i ballant tot el què soni!

Espero que el blog us agradi i que hi participeu!

Aforaments insostenibles en la desescalada. El cas de les sales de concerts.

L’impacte de la pandèmia en el sector cultural està sent el principal assumpte de la premsa cultural, la qual ens informa sobre l’allau d’iniciatives culturals que estan sorgint, les mesures que s’estan adoptant per a pal·liar els efectes devastadors de la Covid-19 en la cultura i els diversos manifestos i comunicats de diferents col·lectius pertanyents al teixit cultural en els quals critiquen algunes de les mesures adoptades per l’executiu i demanen ajustar-les urgentment a la realitat del sector instant al Govern a abordar aquests assumptes conjuntament.

El comunicat més recent ha estat el que ha fet públic la Plataforma de Sales de Concerts (PSDC), dos dies després que el Govern anunciés el pla de desescalada. La Plataforma, que representa més de 270 sales privades de música en directe de tot l’estat critica les mesures confuses i de difícil interpretació i aplicació adoptades amb relació als espectacles en viu, a més de deixar patent la seva “sorpresa i decepció” davant la falta d’interlocució del Govern amb les sales de concerts.

Efectivament, d’acord amb el comunicat, la reducció d’aforament proposada per l’executiu (del 30% en la segona fase de desescalada, i en la tercera, del 50%), “és inviable i condemna al sector a la fallida i desaparició del teixit cultural més fràgil” per tres motius: per la dificultat dels músics a oferir els espectacles garantint la distància social en l’escenari així com la del públic a les sales; per la inviabilitat econòmica d’aplicar-ho, ja que un concert habitualment comença a ser viable a partir de superar el 80% de la capacitat de l’espai i perquè generen fins i tot majors pèrdues econòmiques els espais a un 30% de la seva capacitat que romanent tancats. Certament, les sales de concerts requereixen una atenció especial per la seva especial singularitat.

A més, com es posa de manifest al comunicat, les mesures de reincorporació de les diferents activitats a la normalitat no segueixin uns paràmetres de coherència i no s’apliquen de la mateixa manera en tots els àmbits en els quals hi hagi grans concentracions de públic (com els diferents mitjans de transports, centres comercials, grans superfícies, etc.). Perquè aquestes mesures  s’han d’aplicar de manera exclusiva en l’exhibició d’activitats culturals?

Segons Juli Guiu, director de Festival de Cap Roig de Calella de Palafrugell, “la música sempre ha estat la marginada”, tot i que factura milions d’euros i dóna feina a “centenars de milers” de persones. “Potser els lobbies d’altres indústries són més poderosos i se’ls ha donat més importància”, adverteix Guiu.

Ja a mitjans d’abril, l’Associació de Sales de Concerts de Catalunya (ASACC), emetia un comunicat en què advertia la inviabilitat d’una dràstica reducció de l’aforament com la que, finalment, s’ha acabat imposant. En aquest comunicat, Lluís Torrents, president de l’ASACC i codirector de la Sala Razzmatazz, explicava dues úniques opcions. La primera, incrementar el preu de les entrades o disminuir els costos artístics i de personal. Però lògicament, es tractava d’una mesura inviable sense cap dubte perquè “no es pot traslladar el problema ni al públic ni als artistes ni als treballadors d’un sector que ja està fortament precaritzat”. La segona, que el cost d’aquelles entrades que no es poguessin vendre per la reducció d’aforament imposat, fos assumit o compensat amb fons públics. De fet, així s’està plantejant ja per a recintes de titularitat pública, “però per a sales privades no hi ha cap proposta d’aquest tipus”, explicava el president d’ASACC.

Després de l’anunci del pla de desescalada per part del Govern, l’Ajuntament de Barcelona amb col·laboració de diferents agents culturals de la ciutat, ha redactat un document amb l’objectiu d’analitzar les problemàtiques específiques de cada tipologia d’actes culturals, per extreure’n un seguit de criteris que permetin la seva realització adaptada a les mesures bàsiques de protecció i prevenció davant de possibles contagis per COVID 19, fins i tot abans que hi hagi una situació de normalitat i sempre mitjançant un contrast i autorització prèvia per part de Protecció Civil i l’Agència de Salut Pública de Barcelona, però pel que fa a les sales de concerts, també trobem algunes mesures que poc realistes: prohibir moure’s del lloc un cop realitzada l’acomodació i fins a la finalització de l’espectacle (tenint en compte que les sessions no poden comptar amb entreactes) o respectar un període de quarantena de mínim 24 hores entre companyies en la utilització d’espais tècnics, vestuaris i camerinos.

Com ho fem doncs, per salvar les sales de concerts? Crec que, de moment, l’única manera serà a través del finançament mitjançant el mecenatge. El mes passat, l’organització benèfica Music Venue Trust va iniciar la campanya #SaveOurVenues , amb l’objectiu d’aconseguir finançament col·lectiu per evitar el tancament de 556 locals independents del Regne Unit i de moment, s’ha aconseguit treure 140 recintes musicals de la llarga llista de locals que anaven a tancar.

A falta de polítiques públiques, esperem que a casa nostra sorgeixin iniciatives com aquesta i almenys moltes sales de concerts tinguin l’oportunitat d’intentar remuntar.

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Fonts consultades:

BI-FM Radio. (2020, 30 d’abril). Salas de conciertos: “La reducción de aforo es inviable y nos condena a la desaparición”. Disponible a: http://www.bifmradio.com/ocio-cultura/salas-conciertos-aforo/
 
Cantabria 7TV. (2020, 18 d’abril). Entidades del sector de las artes escénicas y la música de toda España firman un manifiesto conjunto, para solicitar a las Administraciones públicas una interlocución urgente con los representantes del sector. Disponible a: http://www.vegavision.tv/articulo/actualidad/principales-entidades-sector-artes-escenicas-musica-toda-espana-han-firmado-manifiesto-conjunto-solicitar-administraciones-publicas-interlocucion-urgente-representantes-sector/20200418112249006099.html

Diari de Girona. (2020, 2 de maig). Les sales de concerts avisen que la reducció d'aforament les condemna. Disponible a: https://www.diaridegirona.cat/cultura/2020/05/03/sales-concerts-avisen-que-reduccio/1041871.html

Esteban, R. (2020, 28 d’abril). Cines, teatros y salas de conciertos podrían abrir el 25 de mayo con un tercio de su aforo. RTVE. Disponible a: https://www.rtve.es/noticias/20200428/cines-teatros-museos-nueva-normalidad/2012972.shtml
 
Gea, E. (2020, 8 de maig). Les sales de concerts no es poden permetre reduir l'aforament. Enderrock. Disponible a: http://www.enderrock.cat/noticia/21091/sales/concerts/no/es/poden/permetre/reduir/aforament

Institut de Cultura (maig, 2020). Criteris generals per a la realitzaciño d’actes culturals adaptats a mesures preventives  davant del Covid-19. Ajuntament de Barcelona. Disponible a:  https://continguts-www.barcelona.cat/barcelonacultura/sites/default/files/editor_html/00_criteris_generals_per_a_la_realitzacio_actes_culturals_2005.pdf

Koch, T. (2020, 29 d’abril). La desescalada cultural, sector por sector. El País. Disponible a: https://elpais.com/cultura/2020-04-29/la-desescalada-cultural-sector-por-sector.html
López, F. (4 de maig de 2020). Llegó la hora de tomar decisiones. Teknecultura. Disponible a:. https://teknecultura.com/bloc/llego-la-hora-de-tomar-decisiones/
 
MondoSonoro (2020, 20 de maig). #SaveOurVenues salva 140 salas de conciertos de Reino Unido. Disponible a: https://www.mondosonoro.com/noticias-actualidad-musical/saveourvenues-salas-de-conciertos-de-reino-unido/
 
OnaCat.Radio. (2020, 1 de maig). Comunicat Plataforma de Sales de Concerts (PSDC). Disponible a:https://www.onacatradio.cat/comunicat-plataforma-de-sales-de-concerts-psdc/

Iniciatives en les polítiques culturals. N’hi ha que ajuden i n’hi ha que no…

Afortunadament, l’esdeveniment “BARCELONA, ENS EN SORTIREM”, una iniciativa de l’Ajuntament de Barcelona, ha caigut pel seu propi pes i finalment, s’ha anul·lat. Ja no es realitzarà l’espectacle que pretenia comptar amb més d’una vintena d’actuacions musicals de diferents artistes enregistrades a terrats i balcons de la ciutat i que es retransmetria posteriorment el dissabte 9 de maig. 

Què ha passat? Moltíssims mitjans de comunicació ens ho expliquen i van obrint fils de debat per diferents xarxes al voltant del concert als terrats de Colau.

Segons l’alcaldessa, es tractava d’un regal col·lectiu de Barcelona al món per enviar un missatge d’esperança alhora que un reconeixement al sector cultural, tan perjudicat per la crisi. Però un regal de qui? Un reconeixement, com? A costa de què?

El pressupost de l’Ajuntament era de 200.000 euros per a despeses tècniques i alguns euros destinats als artistes. Com reconeixia Buenafuente, qui havia de presentar l’esdeveniment, gràcies al fet que els i les artistes renunciaven als seus catxets habituals per catxets reduïts, es podria dura a terme l’esdeveniment. I jo em pregunto: és tan difícil veure que el fet que les artistes renunciïn als seus honoraris no ajudada al sector cultural i continua perpetuant la idea que el normal és que les artistes treballin en condicions injustes i que si no ho fan, és perque no són prou generosos o solidaris?

És paradoxal que en un moment en què el sector cultural s’enfonsa encara més que de costum i en el que tot sembla indicar que trigarà a poder remuntar, d’una banda, es pretengui no retribuir als artistes com s’hauria i a més, tenint en compte que no es tractava d’un esdeveniment benèfic i que els presentadors, productors i tècnics sí que cobraven amb els seus honoraris habituals, i d’altra banda, que es pretengués destinar 200.000 euros públics a despeses tècniques en lloc d’invertir-los a ajudar a remuntar el sector cultural, per exemple, reduint preus per facilitar l’accés del conjunt de la població als béns culturals.

Gràcies al seny, finalment aquest mateix dissabte mateix s’ha decidit cancel·lar el concert, després que la meitat dels artistes (com per exemple, Manolo García, Sílvia Pérez Cruz i Sopa de Cabra), hagin renunciat a participar-hi a causa d’un cost que consideraven massa elevat, especialment en unes circumstàncies com les actuals.

Jo, totalment d’acord amb L’Acadèmia de la Música, considero que “Barcelona, ens en sortirem” ha estat un intent d’utilitzar la música i la cultura com a eina propagandística. I que a més, s’ha gestionat de la pitjor manera. Perquè l’Ajuntament no ha comptat amb l’Associació Cultural Coincidències, tenint en compte que fa tants anys que ja treballen precisament aquest format? L’equip de Coincidències, responsable de Terrats en Cultura, ha manifestat la seva “sorpresa i decepció”. “Creiem que liderar una ciutat significa col·laborar amb les entitats que ja hi treballen. Liderar significa sumar, no deixar de banda”, diu l’equip de Coincidències, que recorda que Terrats en Cultura va sorgir en plena crisi econòmica com un cicle de música i arts escèniques “com una manera de donar sortida a iniciatives artístiques que havien quedat aturades”.  I efectivament, tenen tota la raó. Les polítiques culturals han de generar processos de cooperació, treball col·lectiu i col·laboratiu entre la societat civil, diferents sectors i l’administració, eixamplant els espais de diàleg i construint solucions de manera democràtica, a part, d’apostar en benefici de la ciutadania més que no pas en l’ús propagandístic de les propostes culturals. 

Paral·lelament, aquests dies s’ha elaborat un manifest per demanar la implantació d’una RENDA BÀSICA UNIVERSAL I INCONDICIONAL PER ALS TREBALLADORS DE LA CULTURA I PER A TOTHOM QUI HO NECESSITA i en el que a data de 4 de maig, ja s’han adderit més de mil treballdors del sector amb la convicció que aquesta renda seria “LA MILLOR POLÍTICA CULTURAL POSSIBLE“, ja que “milloraria la vida de molta gent, i a el mateix temps milloraria radicalment les condicions de les pràctiques artístiques i culturals”.

El text posa en relleu les condicions laborals del sector: “fa prou anys de precarietat, ingressos per sota dels 6.000 euros anuals per a moltes persones, i supervivència a força de voluntat i treballs escombraries, com per poder afirmar que no sembla realista imaginar una vida digna sostinguda des del condicionament laboral “, i també milloraria la vida de la gran majoria de les persones que dediquen el seu temps de treball a tasques culturals, per sobre de les expectatives que els podria suposar qualsevol mesura cultural específica”. El treball cultural també és (…) un territori de conflicte, en el que les condicions de negociació fan que s’acceptin situacions d’explotació per manca d’alternatives. (…) Amb la renda bàsica podríem dir no”. A més, “afavoriria directament a les persones que ho necessiten, i no es distreu en les estructures, com fan tants sistemes de finançament públics…”. I lògicament, si les persones no tenen prou diners per “consumir cultura”, la cultura no és viable o acaba essent un recurs insolidari i elitista per a un cert públic. Per salvar la cultura cal garantir aquesta renda a tothom.

Són les professionals de la cultura les realment capaces d’identificar quines són les millors mesures. 

Certament, com adverteixen Martinell, A. i Coelho, T. (2018), els diferents agents socials i culturals segueixen la seva política cultural pròpia (p.8-9) i aquesta diversitat garanteix que a l’hora de promoure la cultura, diferents instàncies socials prenguin decisions diferents, fixin objectius diferents i planifiquin com assolir-losutilitzant estratègies diferents. Altrament, parlar d’una política cultural única significaria que existeix un autoritarisme que imposaria a la societat participar en la vida cultural sense llibertat, amb restriccions. Com advertia Ben André (2014) ” Les polítiques són diverses i prenen decisions que impliquen camins molt diferents”. Però com veiem, hi ha inicatives, objectius i estratègies que ajuden i n’hi ha que no…

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Fonts consultades:

APGCC. (2011). Guia de bones pràctiques de la Gestió Cultural. Associació de professionals de la Gestió Cultural de Catalunya.

Ben André, L. (2014). PolíticasCulturales. A: Manual Atalaya. Apoyoa la gestióncultural. Disponible a: http://atalayagestioncultural.es/pdf/02.3PoliticasCulturales.pdf 
 
Cervantes, X. (1 de maig de 2020). Debat al voltant del concert als terrats de Barcelona. Diari Ara. Disponible a:
https://www.ara.cat/cultura/Concerts-terrats-balcons-historia-coronavirus-covid-19_0_2445355542.html
 
Cervantes, X. (3 de maig de 2020). L'Acadèmia de la Música, contra l'ús propagandístic i partidista de la cultura arran de “Barcelona, ens en sortirem”. Diari Ara. Disponible a: https://www.ara.cat/cultura/Academia-Musica-contra-us-propagandistic-partidista-concert-terrats-Barcelona-Ens-En-Sortim-coronavirus-covid-19_0_2446555391.html
 
El Salto, (4 de maig de 2020). Más de un millar de profesionales de la cultura reclaman una renta básica universal como “la mejor política cultural posible”. Disponible a:https://www.elsaltodiario.com/renta-basica/manifiesto-sector-trabajadores-cultura-mejor-politica-cultural-posible?fbclid=IwAR0l8Cam4ub9um7h341fhylZY7khjuF9vPFOifyRl6LWjMqRLfmxq302rds

Martinell, A. i Coelho, T. (2018). Polítiques culturals: concepte, configuració i tendències”. Universitat Oberta de Catalunya.
 
Nativa, (30 d’abril de 2020). Gent que treballa en cultura, per una renda bàsica universal i incondicional. Nativa. Música i cultura, vistes des de Barcelona. Disponible a:https://nativa.cat/2020/04/gent-que-treballa-en-cultura-per-una-renda-basica-universal-i-incondicional/

TV3, (2 de maig de 2020). Sopa de Cabra, Txarango i Els Catarres renuncien a tocar a 'Barcelona, ens en sortirem" per l'alt cost del concert. Disponible a: https://www.ccma.cat/324/sopa-de-cabra-txarango-i-els-catarres-renuncien-a-tocar-a-barcelona-ens-en-sortirem-per-lalt-cost-del-concert/noticia/3008816/

Alteracions neurològiques musicals

La música ens acompanya tota la vida i la vivim i experimentem de moltes maneres. Diuen que és un llenguatge universal (jo no estic del tot d’acord …) i sabem que el seu potencial com a canal de comunicació és enorme. Però sempre ens aporta beneficis, plaer o moments de felicitat? Doncs no. També pot arribar a desencadenar sensacions i experiències realment difícils de gestionar, com les que es viuen amb les alteracions neurològiques musicals, uns trastorns de la percepció musical què, a grans trets, es poden classificar en:

Epilepsia musicogènica: és una forma d’epilèpsia molt poc comú induïda per la música que pot tenir diversos desencadenants: la qualitat del so, l’impacte emocional de la música en sí, sons forts, etc., podent ser específica per a un determinat gènere, peça o veu que canta (amb el cessament de la música, la crisi desapareix en la majoria dels casos).

Si desitgeu veure una classe molt interessant impartida pel Prof. Manuel Lafarga, sobre Epilèpsies Musicogénicas, podeu veure el següent vídeo:

Al·lucinaciones musicals: representen un trastorn en el processament de sons complexos. Les persones que les pateixen perceben sons complexos en forma de música a conseqüència d’un so o en absència de qualsevol estímul acústic. Habitualment, les persones que pateixen una al·lucinació musical pensen que la música té un origen extern, però quan veuen que no troben la font, dedueixen que ha d’estar dins del seu cap, que prové “del seu cervell”. Aquestes al·lucinacions, a més d’aquesta aparent exterioritat, solen ser constants, repetitives, involuntàries i intrusives, i pot ser que tinguin significat o no.

Us recomano molt veure aquest cas com a exemple:

Distonia focal en els músics: també anomenada “rampa de el músic”, suposa la pèrdua de la coordinació dels dits de la mà a causa de la flexió i extensió involuntària dels dits i a altres posicions anòmales de la mà o el braç (implica dits, mà o braç). També ens podem trobar amb casos que afecten la zona oromandibular, de manera que apareixen dificultats per realitzar la conformació voluntària de llavis necessària per a la correcta execució musical. La teoria majorment acceptada sobre l’origen de la distonia focal és la basada en canvis plàstics en el cervell deguts als moviments repetitius duts a terme en un entrenament molt intens.

Si voleu veure un vídeo molt interessant sobre la distonia focal en els músics, us recomano aquest:

Amúsia: és la pèrdua específica de la percepció musical, que pot ser congènita (i afectar llavors només al to) o adquirida, i aquesta afectar diversos components en la percepció musical, en la producció musical o en la lectura o escriptura de la música depenent de si es troba danyat el funcionament motor o expressiu, resultant impossible llegir música, reconèixer cançons familiars, discriminar entre tons, cantar, escriure música o tocar un instrument.

Per conèixer més sobre aquest trastorn, us recomano escoltar el prestigiós neuròleg Oliver Sacks (així com llegir el seu llibre “Musicofilia”, en el qual es descriuen diverses condicions neurològiques relacionades amb la música):

També us suggereixo veure un molt breu reportatge interessantíssim sobre un cas d’amúsia:

Fonts consultades:

Kaplan, PW. (2003). Musicogenic epilepsy and epileptic music: a seizures song. Epilepsy & Behavior; 4: 464–473. 

Soria-Urios G., Duque P. y García- Moreno J.M. (2011). Música y cerebro: fundamentos neurocientíficos y trastornos musicales. Revista de Neurología; 52: 45-55.
 

La importancia de cantar durante el embarazo

Cada vez son más las investigaciones que demuestran que las experiencias y sensaciones vividas antes de nacer son esenciales para la formación de la personalidad y determinantes para el futuro. Como bien sabemos, la comunicación de la madre con el bebé intrauterino beneficia enormemente su desarrollo emocional.

CANTAR, es una manera maravillosa de comunicarse con él, de conectar, interaccionar y fortalecer el vínculo de una manera muy especial. Además, debemos recordar que la audición es el único sentido que dentro del útero permite al bebé el contacto con el mundo exterior y recibir información del mismo.

¿Cuáles son los beneficios?

Favorece el sistema nervioso del bebé intrauterino ayudando a que se desarrolle adecuadamente.

Favorece la generación de nuevas neuronas, facilitando los procesos cognitivos después del nacimiento y las neuroconexiones.

Al cantar, se segregan una gran cantidad de endorfinas que se trasmiten al bebé a través de la placenta.

Cantar favorece la conexión con una misma y la conciencia corporal y puede ayudar mucho a mejorar la respiración y la relajación.

Cantar alivia tensiones, miedos…, y permite expresar sensaciones, emociones y estados de ánimo propios de esta etapa.

Favorece el bienestar de la madre, y por lo tanto, el del bebé.

Si se le canta al bebé durante el embarazo, después de nacer, el bebé reconocerá la voz de la madre y también las canciones que le ha ido cantando habitualmente. Cuando le vuelva a cantar esas canciones, reconocerá su vivencia intrauterina y sentirá confort, seguridad y bienestar emocional y se relajará.

¿Cómo percibe el cantar de la madre?

La voz materna ya se percibe desde las primeras semanas. Primero como vibración, y más adelante, como sonido (a partir de la semana 8, ya percibe las estimulaciones auditivas, aunque todavía no reaccione a ellas).

El sonido que produce la madre al cantar se amplifica (respecto al habla) y el esqueleto lo absorbe y distribuye. El sonido viaja a través de la columna vertebral y se aloja mayoritariamente en las vértebras que quedan a la altura del vientre y la pelvis se convierte en una gran caja de resonancia. (Recordemos que la voz de la madre es especialmente apta para la conducción ósea y especialmente por la columna vertebral ya que se compone básicamente de frecuencias agudas).

A partir de la semana 20, el bebé intrauterino no solo sentirá la voz de la madre al vibrar el líquido amniótico, sino que empezará a escucharla captando su intención comunicativa y respondiendo con movimientos. Y hacia la semana 24, el aparato auditivo ya estará totalmente formado.

El canto prenatal en Musicoterapia.

En muchas culturas se ha utilizado el canto y su aprendizaje durante el embarazo sabiendo de los efectos beneficiosos que tiene tanto para el bebé como para la madre. En musicoterapia, se trabaja el canto prenatal desde diferentes métodos y técnicas en talleres en los que se puede compartir la experiencia con otras madres o parejas.

Una de las técnicas es el Canto Carnático. Con él, se aprende a realizar una serie de vocalizaciones acompañadas de respiraciones pausadas, profundas y abdominales, a estimular la gola (la cuál interactúa con el canal vaginal -cuando la gola se distiende o se contrae, también lo hace la región vaginal-) y a relajar con más facilidad la musculatura del suelo pélvico.

Este aprendizaje podrá ser muy beneficioso en la fase de dilatación. Por eso, este canto, traído desde el sur de la India por el obstetra Frédérick Leboyer, es muy utilizado por mujeres que desean dar a luz con la ayuda de métodos de alivio no farmacológicos.

Otra técnica vocal y corporal de referencia en el Canto Prenatal es la llamada Psicofonía. Ésta, se basa en aprender a utilizar el cuerpo como si fuera un instrumento musical (el cuál es a la vez emisor y receptor de las vibraciones). La creadora del método, Marie Louise Aucher, demostró  que cada sonido resuena y vibra en una zona muy precisa del cuerpo así como los beneficios de trabajarlos y utilizarlos también durante el parto.

En próximos artículos hablaremos más concretamente sobre el canto prenatal y cómo la musicoterapia favorece el desarrollo de bebés prematuros, ayuda a estimular la lactancia materna y resulta efectiva para dar a luz.


Bibliografía:

Gabriel F. Federico, (2001). El Embarazo musical: comunicación, estimulación y vínculo prenatal a través de la Música. Ed.: Kier.

Gabriel F. Federico, (2014). Viaje musical por el embarazo: musicoterapia prenatal. Ed.: Kier.

 

La influencia de la música en el cerebro (parte 1)


¿Qué le pasa a nuestro cerebro cuando escuchamos música? 

Es difícil darnos cuenta de cómo las plantas crecen más de lo normal si “escuchan” música, pero no lo es tanto  experimentar cómo ésta nos puede calmar o excitar, ¿verdad?  Y es que la música actúa sobre nuestro sistema nervioso central, nos alegra, nos entristece, nos hace mover los pies casi irremediablemente… En general, todos somos más o menos consientes de que la música nos influye de manera inevitable, pero…: ¿sabemos cómo afecta la música a nuestro cerebro?

En primer lugar, es importante destacar que cuando las ondas sonoras se perciben en el cerebro, respondemos con emociones. Eso es porque la música se dirige directamente al sistema límbico (el que gestiona las respuestas fisiológicas ante los estímulos emocionales), sin pasar por el neocórtex, y por lo tanto, sin pasar por el filtro de nuestra parte más consciente, activándose prácticamente las mismas áreas cerebrales para la música que para las emociones

Cuando escuchamos música, nuestro cerebro la descompone o interpreta de forma separada (ritmo y tono) activando diferentes zonas cerebrales. Gracias a los grandes avances en neurología hemos podido ver cuáles son estas zonas y saber que:

EL RITMO afecta especialmente a la área física, ya que la actividad sensorial de la música se localiza predominantemente en la zona bulbar, donde se encuentra el centro de las reacciones físicas y estas respuestas se l
ocalizan en el cerebro reptiliano o primer cerebro (el de los impulsos básicos). Por eso con el ritmo se tiende a la acción, lo que respalda al idea de que música y movimiento están íntimamente ligados.

El ritmo activa el córtex frontal, el parietal izquierdo y el cerebelo (encargado de la coordinación muscular y otros movimientos no controlados por la voluntad). De hecho, en muchísimas culturas el concepto de “música” incluye el de baile o movimiento sin poderse desligar el uno del otro.

Por otro lado, EL TONO, que sería como la organización jerárquica de la relación entre las diferentes alturas de los sonidos, se procesa en el córtex prefrontal, el cerebelo y lóbulo temporal. Y si escuchamos una canción (con letra), después de analizarla acústicamente (ritmo y tono), analizaremos LA LETRA con el sistema de procesamiento del lenguaje (y activaremos el área de Wernicke (que decodifica auditivamente la función lingüística -se relaciona con la comprensión del lenguaje-, función que se complementa con la del Área de Broca -que dependiendo de la canción, procesa el lenguaje, la gramática y la comprensión), el córtex motor (moviendo los pies, los dedos…), el córtex visual (imaginando partes de la canción) y las zonas correspondientes a las respuestas emocionales).

LA MELODÍA (digamos que sería la sucesión de diversos tonos) y LA ARMONÍA (entendida como un conjunto de sonidos que suenan a la vez) precisan un alto nivel de representaciones intelectuales, y es en el neocórtex (el cerebro racional) donde se localiza la actividad intelectual y donde se reflejan los aspectos melódicos y armónicos, respondiendo a los mismos con cambios en la actividad cerebral: incrementando la memoria, la atención, la creatividad y el procesamiento del pensamiento lógico.

Y es que…: ¡La música activa más partes del cerebro que ningún otro estímulo humano!


Referencias bibliográficas:

Jauset Berrocal, J. A. (2008). Música y neurociencia: la musicoterapia. Sus fundamentos, efectos y aplicaciones terapéuticas. Barcelona: UOC.

Lacárcel Moreno, J. (2003). “Psicología de la música y emoción musical”. Educatio siglo XXI – Universidad de Murcia (20‐21).

Soria-Urios, G., Duque, P., García-Moreno, J.M. (2011). Música y cerebro: fundamentos neurocientíficos y trastornos musicales. Revista de neurología, Vol.52, Nº 1.

Thaut, M. H. (2000). A scientific model of Music in Therapy and Medicine. San Antonio, TX: Institute for Music Research Press.

Imágenes:

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Los cuencos tibetanos. Sonidos que resuenan.

Existen diferentes versiones sobre quienes y porqué empezaron a fabricar los llamados y ya tan conocidos “cuencos cantores tibetanos”. No se sabe si fueron los mismos monjes budistas, los shamanes nómadas, los herreros del metal…, y si los cuencos se utilizaban como recipiente para comer, para sacrificios u ofrendas…

Pero la mayoría de fuentes indican que son originarios de la cultura Pre Budista Chamanica Bön Po, de los Himalayas, y lo que sí sabemos con seguridad, es que antiguamente se fabricaban martillando a mano el cuenco y aleando siete metales (oro, plata, mercurio, cobre, hierro, estaño y plomo), los cuales, parece ser que se relacionaban con el Sol, la Luna, Mercurio, Venus, Marte, Júpiter y Saturno, respectivamente.

En los años sesenta, los cuencos empezaron a difundirse por occidente y hoy en día se fabrican y se encuentran por todo el mundo. Aunque normalmente se siguen forjando artesanalmente, se fabrican con diferentes aleaciones de metales y las técnicas modernas no logran reproducir la sonoridad de los cuencos antiguos.

Sus sonidos

El sonido de los cuencos, sus armónicos y su vibración, tienen una gran capacidad para penetrar en los cuerpos y las mentes de los oyentes afectando profundamente física, emocional, energética y espiritualmente.

El sonido de los cuencos influye en nuestras ondas cerebrales emitiendo un modelo de onda alfa, que nos permite una sensación de relajación y renovación. Así pues, facilita que entremos en diferentes estados de consciencia y que viajemos a lo más profundo de nuestro ser.

Una de las características de su sonido es que es muy rico en armónicos (y tienen la peculiaridad de producir diferentes sonidos a la vez). En general, podríamos decir que cada sonido está formado por un sonido fundamental y otros más agudos y graves que se desprenden del mismo y guardan relación con él. Pero normalmente es muy difícil percibir estos sonidos armónicos (y muchos de ellos, además, no los podemos captar auditivamente, aunque también nos afecten e influyan).

Sin embargo, los cuencos, no solo son muy ricos en armónicos, sino que además, estos son intensos, de larga duración y muchos suenan al mismo volumen que el sonido fundamental o dominante. Por lo tanto, nos permite percibir diferentes sonidos al mismo tiempo y que resonemos con ellos.

Cómo hacerlos sonar?

Los cuencos se pueden golpear, tañer como campanas y frotar su borde circular con una baqueta produciendo un sonido continuo, suave y aterciopelado. También se utilizan técnicas tales como que el mismo ejecutante utilice la boca como caja de resonancia o por ejemplo, introduciendo una pequeña cantidad de agua en el interior del cuenco e ir cambiando su inclinación. Dependiendo del modo de ejecutarlo (de la presión que se ejerza con la baqueta, la velocidad, los puntos de contacto, etc.), se producirá un sonido u otro. Pero el sonido también será diferente dependiendo del tamaño del cuenco (cuanto más pequeño, más agudo), de su grosor, de los metales de los que se componga, del tipo de madera de las baquetas, etc.

Para qué se utilizan?

Hoy en día, los cuencos son ya un instrumento muy conocido y se emplean para numerosos fines en todo el mundo, dentro y fuera de contextos religiosos.

Algunas de las aplicaciones más extendidas son: ayudar a equilibrar los chakras (ya que a través del sonido y las vibraciones, las ondas producidas por los sonidos armónicos llegan hasta donde existe un bloqueo y por resonancia o simpatía, la energía se realinea y se libera), meditar (ya que como ya hemos apuntado, sus sonidos modifican nuestras ondas cerebrales) y para realizar masajes sonoros (colocándolos cerca o encima del cuerpo del cliente o paciente, y ejecutando los cuencos de tal manera que el terapeuta dirija la energía del sonido hacia donde el cuerpo la necesita, haciendo que la vibraciones se transmitan en el cuerpo por el principio de resonancia y así modificar las frecuencias alteradas y corregir ciertos desequilibrios).

Por otra parte, en Alemania, por ejemplo, está muy extendida la terapia con cuencos tibetanos por parte de psiquiatras, fisioterapeutas, musicoterapeutas y neurólogos como una herramienta más dentro del tratamiento para la rehabilitación de sus pacientes. En algunos hospitales se utiliza en pacientes que han sufrido accidentes o problemas cerebro vasculares, en cirugías neurológicas, en pacientes que dependen de un respirador artificial, en oncología, para la relajación muscular, eliminar inflamaciones, tratar estados de ansiedad, depresión, hiperactividad…, y para aliviar el sufrimiento y el dolor. Afortunadamente, cada vez se investiga más acerca de los efectos, aplicaciones y beneficios de los cuencos desde diferentes disciplinas.

Precauciones

El uso de los cuencos puede estar vinculado con prácticas no reguladas y no profesionales. En algunos casos puede resultar perjudicial (en mujeres embarazadas, personas con marcapasos, en ciertas patologías o enfermedades mentales, en condiciones inflamatorias agudas, con niños, etc.).

La aplicación de los sonidos del cuenco debe ir de la mano de un sonoterapeuta cualificado.

Si queréis ver una demostración de los sonidos de los cuencos del maestro Marc Handler, podéis ver el siguiente vídeo. (Para una mejor experiencia es recomendable escucharlo con unos auriculares o altavoces de calidad).

Los orígenes de la Musicoterapia…

Como bien sabemos: “los orígenes de la utilización terapéutica de los sonidos y la música se remontan posiblemente, al principio de la humanidad” (Jauset Berrocal 2008: 138), y aunque sobre el cómo y el cuando, existan múltiples y diversas hipótesis, sobre lo que no hay duda, es que el hecho de experimentar la música como influencia curativa que afecta la salud y al comportamiento, ha estado presente desde los inicios de la humanidad y en la mayoría de culturas.

Numerosos documentos que nos informan sobre prácticas terapéuticas, paliativas, curativas, sanadoras, preventivas…, en las que la música tiene un papel fundamental. En ellas se demuestra el potencial de la misma como canal de comunicación y a la vez, se refleja el sustrato de algunos de los principios teóricos de la musicoterapia actual.

Por ejemplo, sabemos de la importancia y antigüedad de la utilización de la música y los sonidos en los rituales de curación y el chamanismo, de la comunicación del hombre con los espíritus a través del sonido, del canto chamánico, el cual no resultaría eficaz si se pronunciara el texto sin cantarlo, sin utilizar los instrumentos adecuados y si no se conjugara con la danza.

Otro ejemplo lo encontramos en la utilización de la ciertas músicas en la India como experiencia espiritual. Un ejemplo lo encontramos en la relación entre los sacerdotes y los manthras. Estas secuencias de sonidos inducen a la relajación, la meditación y al tránsito contemplativo permitiendo desarrollar las facultades mentales y místicas.

En Egipto, como indica Poch ( 1999, Vol.II) ya en el siglo XIII utilizaban la música terapéuticamente en programas de tratamiento hospitalario. Partían de la teoría que se podían curar enfermedades mediante la respiración, por lo que se cantaban los cantos de “Mazdaznan” (ciencia de la respiración). Algunos papiros ponen de manifiesto de actitudes racionales sofisticadas sobre diversos aspectos de la medicina y la música como curación, con la finalidad de reestablecer y rehabilitar problemas físicos, psíquicos y emocionales (394-395).

En la Antigua Grecia, encontramos la Teoría del Ethos, contada por Aristóteles, la cual sustenta que existe una fuerte relación entre los movimientos de la música y los físicos y psíquicos del hombre y por tanto, que la música puede ejercer una determinada influencia sobre el carácter y las emociones de éste. Así, se componían melodías con el fin de crear o provocar un estado de ánimo determinado o “ethos”. En Roma, como informa Poch (1999), se creía que en estados de tristeza se atraía la enfermedad, mientras que en estados relajados y alegres ayudaba a combatirla, y la música, siendo tan eficaz para influir sobre las emociones, podía ayudar a conseguir un estado de bienestar que propiciara mejoras (Poch 1999, Vol. II: 383-406).

Pero fue desde el siglo XVII al siglo XX, cuando diferentes médicos reconocidos como eminencias (F.J. Cid, Vidal i Careta, Letamendi, Candela Ardid…), se aproximaron a los inicios científicos de la musicoterapia, a través de sus experiencias e investigaciones utilizando la música con sus pacientes y comprobando sus beneficios.

Pero… ¿cómo y cuándo nació la Musicoterapia como disciplina?

Durante la segunda Guerra Mundial, en varios hospitales de EEUU que recibían la ayuda de diferentes tipos de voluntariados comenzaron a recibir también la colaboración de músicos profesionales y aficionados. Éstos, hacían música para los pacientes que sufrían traumas físicos y emocionales causados por las guerras. Los equipos médicos constataron que las respuestas de los enfermos eran notablemente positivas, por lo que solicitaron el proceso de contratación de músicos en los hospitales. A partir de este hecho se empezó a generalizar el uso de la música en la rehabilitación de funciones físicas y psíquicas  (Betés de Toro 2000: 29).

Después de la Guerra empezaron a surgir los primeros intentos de planificación y evaluación sistemática de las intervenciones musicales. La demanda de formación hizo que se creara la primera carrera de musicoterapia en la Universidad de Kansas y el mismo año, se fundó la National Association for Music Therapy para apoyar el uso terapéutico de la música en diferentes ámbitos, así como para regular los estudios de formación de profesionales y fomentar el desarrollo de un cuerpo teórico y científico de esta disciplina (Mercadal Brotons y Mateos Hernández 2005).


Referencias bibliográficas:

BETÉS DE TORO, Mariano. “Bases históricas del uso terapéutico de la música”. 2000. En: Betés de Toro, Mariano. Fundamentos de Musicoterapia. Madrid: Morata, p. 23‐36.

JAUSET BERROCAL, Jordi A. 2008. Música y neurociencia: la musicoterapia. Sus fundamentos, efectos y aplicaciones terapéuticas. Barcelona: UOC.

MERCADAL BROTONS, Melissa y MATEOS HERNÁNDEZ, Luís Alberto (eds.). 2005. “Contributions towards the consolidation of music therapy in Spain within the European Space For Higher Education (ESHE)”. Music Therapy Today 6 (4).

POCH BLASCO, Serafina. 1999. Compendio de Musicoterapia. Vol. I i Vol. II. Barcelona: Herder.

¿Qué es la Musicoterapia?

La musicoterapia es una disciplina del área de la salud que está en pleno proceso de expansión en muchos países del mundo. Muchísimos profesionales luchan para que se reconozca oficialmente como merece en los países en los que todavía no lo está y se esfuerzan en divulgarla para que socialmente exista una conciencia de lo que realmente es. Sin embargo, en general, todavía es poco y mal conocida y muchas veces se confunde muy injustamente con un recetario musical. Pero a la vez, cada día crece más el interés en saber qué es y en qué nos puede ayudar, aumenta notablemente el número de personas que se benefician de ella y los resultados de las investigaciones rigurosas son realmente convincentes y prometedoras.

¿En qué consiste la musicoterapia?

La musicoterapia busca restaurar, mantener y/o mejorar la salud física, psíquica, emocional, social, intelectual y comunicativa de los pacientes. El musicoterapeuta calificado se sirve de la música y de sus elementos para facilitar diferentes experiencias musicales (escuchas guiadas, canto, composición y/o utilización de música y canciones, improvisaciones con la voz y/o instrumentos, música y movimiento, etc.), que permitan trabajar hacia los objetivos terapéuticos. Estos objetivos, así como los diferentes tipos de intervención, dependen de las necesidades, posibilidades, estado físico y emocional particulares de cada paciente, entre otros.

¿En qué ámbitos se aplica?

Se aplica en ámbitos como el educativo (trastornos del lenguaje, de atención…), el geriátrico (demencias, Parkinson…), en medicina (oncología, dolor crónico, bebés prematuros, rehabilitación neurológica, cuidados paliativos…), en diversidades funcionales (autismo, Síndrome de Down…), en salud mental (trastornos psicóticos, de la conducta alimentaria…), el el ámbito comunitario (en grupos en riesgo de exclusión social…), en centros penitenciarios, con mujeres embarazadas, personas que quieren hacer un trabajo de desarrollo personal…

Así pues, la musicoterapia se aplica desde el embarazo hasta los últimos momentos de la vida y en personas con trastornos o enfermedades y también en estado de salud. Y por lo tanto, en distintos ámbitos, en variedad de colectivos y con pacientes con características y necesidades muy diversas.

¿Para qué se utiliza la música?

En musicoterapia, la música se puede utilizar para diversos fines: para facilitar la expresión en personas con dificultades comunicativas, para provocar respuestas físicas (como aumentar o disminuir el ritmo de la respiración, de la presión sanguínea, de la actividad muscular, provocar cambios en el sistema inmunitario…), para incidir en la dimensión cognitiva (para estimular la memoria, la atención, orientar a la realidad…), emocional (para conectar con el estado emocional del paciente, modificarlo, evocar o despertar emociones…), para facilitar la socialización, ayudar a la autorganización del paciente o grupo, etc.

¿Cuando y cómo se inicia el proceso?

El inicio del proceso comienza por iniciativa propia del paciente o por derivación por parte de otro profesional (médico, psiquiatra, profesor, psicólogo, terapeuta ocupacional…).

El musicoterapeuta que forma parte de un equipo interdisciplinario, recibe toda la información necesaria del paciente por parte de los otros terapeutas y profesionales y del mismo paciente y/o de su familia. Recoge la historia sonoro-musical del paciente, concreta los objetivos y el método de evaluación antes de empezar el proceso terapéutico y durante el proceso aporta y recibe información sobre el paciente y el proceso interactuando con el resto de profesionales. La intervención puede ser enfocada como prevención, asistencia terapéutica o rehabilitación y puede ser individual y/o grupal.

Todos hemos experimentado, más o menos conscientemente, de alguna o muchas maneras, la influencia de la música en nosotros. Pero, ¿sabemos cómo influye la música en nuestro cerebro?, ¿en qué beneficia la musicoterapia durante el embarazo?, ¿cómo nos puede ayudar a regular el estrés? ¿qué es la sonoterapia? Iremos abordando éstos y más temas esperando que sean de vuestro interés.